ART BASEL HONG KONG 2025

  천위쥔(CHEN Yujun, b. 1976) 중국 현대미술에서 영향력 있는 예술가 중 한 명이다. 그는 고향과 개인의 감정을 긴밀하게 연결하며, 세대를 거쳐 전해지는 이민자의 경험을 통해 가족, 정체성, 공간이라는 주제를 탐구한다. 특히 복합적인 혼합 매체를 활용하는 방식으로 잘 알려져 있으며, 그의 작품에는 깊은 인간적인 관심과 풍부한 의미가 담겨 있다. 천위쥔은 중국 사회가 거대한 역사적 변화를 겪던 시기에 성장했다. 그는 치밀한 성찰과 탐구를 통해 개인의 정체성과 자연 및 문화적 환경 간의 관계를 점점 더 창작의 원동력으로 삼게 되었다. 그의 작품은 고향인 뮬란강(Mulan River)에서부터 아시아와 세계를 키워온 '어머니 강'에 이르기까지 다양한 주제를 다룬다. 그의 상상력과 붓질은 상징적으로 고향을 떠난 초기 화교들의 발자취를 따라가며, 인간의 유랑하는 삶이 향하는 미래와 자기 구원의 방향에 대한 해답을 모색한다. <L'Étranger>는 천위쥔이 최근 몇 년간 새롭게 선보인 혼합 매체 시리즈로, 사진이라는 매체를 즉흥적 표현과 전통 회화의 내러티브 기법과 결합한 작품이다. 이 시리즈는 프랑스 작가 알베르 카뮈(Albert Camus)의 동명 소설에서 영감을 받아, 다양한 인간 조건 속에서 도덕적 판단의 차이에 대한 깊은 고찰을 담아 초현실적인 현실의 장면을 함께 구축한다.

  천위쥔은 1976년 중국 푸톈(Putian)에서 태어나 현재 상하이에서 거주하며 활동하고 있다. 그는 중국 최고의 예술 기관 중 하나인 중국미술학원(China Academy of Art, 항저우)에서 졸업했으며, 회화, 콜라주, 드로잉, 조각 등 다양한 매체를 활용해 중국 사회의 이야기와 자신의 개인적인 서사를 자유롭게 표현한다. 그는 2023년과 2022년 웨스트번드 아트&디자인 페어(West Bund Art & Design Fair), 2021년 광둥미술관(Guangdong Museum of Art), 2020년 아라리오갤러리 서울(Arario Gallery Seoul), 2019년 탕 컨템포러리 아트(Tang Contemporary Art)**에서 개인전을 개최했으며, 2021년에는 상하이 롱뮤지엄(Long Museum)에서 대규모 개인전을 열었다. 또한, 베이징 민생미술관(Beijing Minsheng Art Museum, 2019/2017/2015), 관두미술관(Kuandu Museum of Fine Arts, 타이베이, 2018), OCT 컨템포러리 아트 터미널(OCT Contemporary Art Terminal, 상하이, 2017), 관산웨이 미술관(Guan Shanyue Art Museum, 선전, 2013), 흐로닝언 미술관(Groninger Museum, 네덜란드, 2013), 인도네시아 국립미술관(Galeri Nasional Indonesia, 자카르타, 2013), 울렌스 현대미술센터(Ullens Center for Contemporary Art, 베이징, 2013), 베네토 과학문학예술연구소(Veneto Institute of Sciences, Letters and Arts, 베니스, 2012), 타임스 아트 뮤지엄(Times Art Museum, 베이징, 2010) 등에서 단체전에 참여했다. 그의 작품은 아라리오뮤지엄(Arario Museum, 서울), 브루클린미술관(Brooklyn Museum, 뉴욕), DSL 컬렉션(DSL Collection, 파리), 광둥미술관(Guangdong Museum of Art, 광저우), HE 아트 뮤지엄(He Art Museum, 포산), 롱뮤지엄(Long Museum, 상하이), 로스앤젤레스 카운티 미술관(Los Angeles County Museum of Art, 로스앤젤레스), M+ 시그 컬렉션(M+ Sigg Collection, 홍콩), 탱크 상하이(TANK Shanghai, 상하이), 화이트래빗 컬렉션/화이트래빗 갤러리(White Rabbit Collection / White Rabbit Gallery, 시드니), 유즈 뮤지엄(Yuz Museum, 상하이) 등 여러 주요 기관에 소장되어 있다.

  인도 출신의 수보드 굽타(Subodh GUPTA, b.  1964) 는 아시아의 사회문화적 현실로부터 발견한 문제의식을 조각, 설치, 회화, 영상, 퍼포먼스 등 다양한 매체로 담아낸다. 그는 “가장 일상적인 것이 가장 신성하다”는 기조 아래 익숙한 사물을 기념비적 형태로 변환시키며 국경을 초월한 세계 미술계의 공감을 이끌어낸다. 수보드 굽타의 작품은 급격한 도시화와 세계화, 문화적 혼종성 등의 주제에 관한 깊이 있는 성찰을 드러낸다. 굽타는 인도 전역에서 흔히 볼 수 있는 철제 도시락, 탈리 팬, 자전거, 우유통 등 일상의 사물을 재료 삼아 특유의 작품세계를 구축해 왔다. 특정 사물 및 장소, 그리고 그에 담긴 기억과 감각, 경험을 탐구하는 과정을 담아낸 결과물이다. 작가는 평범한 물건들을 통하여 침묵의 정서를 드러내고, 미니멀리즘적인 형태와 선, 구조로 점철된 미학을 구사한다. 굽타의 조각은 이러한 작업을 진행해온 일상의 사물을 활용하고 표현한 조각이다.

  수보드 굽타는 최근 네이처모트(뭄바이, 인도, 2024), 르봉마르쉐 리브고쉬(파리, 프랑스, 2023), 벨몬드 호텔 시프리아니(베니스, 이탈리아, 2022)에서 전시하였다. 굽타는 파리 조폐국(Monnaie de Paris, 프랑스, 2018), 워릭아트센터(Warwick Arts Centre, 코벤트리, 영국, 2017), 빅토리아국립미술관(National Gallery of Victoria, 멜버른, 호주, 2016), 빅토리아 앤드 앨버트 박물관(Victoria & Albert museum, 런던, 영국, 2015), 프랑크푸르트현대미술관(Museum für Moderne Kunst Frankfurt am Main, 독일, 2014), 뉴델리 국립현대미술관(National Gallery of Modern Art, 인도, 2014), 키란 나다르 미술관(Kiran Nadar Museum, 뉴델리, 인도, 2012), 사라힐덴미술관(Sara Hildén Art Museum, 탐페레, 핀란드, 2011) 등 세계 유명 박물관 미술관에서 전시되었다. 굽타는 아라리오갤러리(서울, 천안, 한국, 2010), 아라리오갤러리(북경, 상해, 중국, 2008)에서 개인전을 개최했다. 굽타의 작품은 프랑스 파리의 루이비통재단미술관(Fondation Louis Vuitton), 인도 뉴델리 국립현대미술관(National Gallery of Modern Art), 프랑스 파리 퐁피두 센터(Centre Pompidou), 일본 후쿠오카 아시아미술관(Fukuoka Asian Art Museum), 찰스 사치 컬렉션(Charles Saatchi Collection)과 프랑수아 피노 컬렉션(François Pinault Collection)과 아라리오뮤지엄에 소장되어 있다. 2024년 9월 아라리오갤러리 서울에서 개인전을 개최했다.

  옥승철(OK Seungcheol, b. 1988)은 포스트 디지털 시대의 관점에서 원본성(Originality)의 문제를 다뤄오고 있다. 디지털 이미지를 원본 삼아 회화, 조각 등 전통 매체뿐 아니라 현실과 가상, 미술과 비미술의 경계를 오가며 출력하고 공유하며, 가벼운(디지털 원본) 이미지와 무거운(미술 작품) 이미지가 교차하는 아이러니를 부각한다. 이미지가 하나의 형식으로 고착되지 않고 그 안과 밖에서 상호작용하며 여러 형태와 질감으로 구체화하는 과정, 그리고 출력된 외피가 빚어내는 이른바 가벼움과 진지함이 공존(무한 복제 가능한 디지털 이미지와 유일성이 강조되는 미술작품이 대비되는)하는 모순을 강조해 원본성의 의미를 새로운 관점에서 살피는 작업을 선보인다. 옥승철의 작품들은 시점의 변화 외에도 본질 그 자체를 조금씩 다르게 그리려는 경향이 있는데, 그 차이는 게임의 캐릭터 생성기의 원리와 같이 캐릭터의 머리카락이나 피부색 등 일부 요소만을 변경하며 만드는 식이다. 실제로 그의 작품 <이로치>는 포켓몬스터와 같은 게임에서 아주 드물게 존재하는 트로피-포켓몬을 지칭하는 것으로 보이는데, 동일한 시점, 동일한 움직임, 동일한 캐릭터 이 모든 것이 메모리에 맞춰 짜여진 시스템 내 개발자가 만들 수 있는 유일한 방식의 돌연변이다.

  옥승철은 중앙대학교 서양화과 학부를 졸업했다. 개인전은 《플라나리아》(PARCO MUSEUM TOKYO, 도쿄, 2024), 《CAMOUFLAGE》(TUESDAY TO FRIDAY, 발렌시아, 2024), 《TROPHY》(기체, 서울, 2023), 《2022 아트선재 프로젝트 #2: 크리에이트 아웃라인즈》(아트선재센터, 서울, 2022) 및 《JPEG SUPPLY》(기체, 서울, 2020), 《UN ORIGINAL》(기체, 서울, 2018)이 있다. 작가의 주요 그룹전으로는《비뉴턴 유체》(실린더2, 서울, 2024), 《매끄러운 돌밭2》(쉐마미술관, 청주, 2023), 《DMZ 전시: 체크포인트》(DMZ, 파주, 2023), 《Spirals, Loops, Mutants》(K11, 상해, 2023), 《Linked》(펑크 갤러리, 상해, 2022), 《After Effect》(누크 갤러리, 서울, 2022), 《Trauma: Shooting the Pulitzer + 15minutes》(대전시립미술관, 대전, 2021), 《약속의 땅》(더그레잇컬렉션, 서울, 2021), IRL (Unit London, 런던, 2020), 《네/아니오/좋아요/싫어요/사랑/혐오/댓글/공유: 2000-2020년 한국 대중문화의 초상》(아트 딜라이트, 서울, 2020), 《팝/콘》(대구미술관, 대구, 2019) 그리고 《삼각의 영역》(플렛폼 엘 컨템포러리 아트 센터, 서울, 2019) 등이 있다.

  코헤이 나와(Kohei NAWA, b. 1975)는 자연과 인공, 개별과 전체의 관계를 탐구하는 다채로운 실천에 기반하여 구축한 특유의 다변적인 작품세계를 선보인다. 유기적 형태는 언제나 인공적으로 양식화된 조형물로서 거듭난다. 마치 세포처럼 부분의 축적은 하나의 전체로서 복잡하고 역동적인 구조를 이루어낸다.

  코헤이 나와의  <Direction>은 코헤이 나와의 평면 작업 중 한 시리즈로, 캔버스를 수직으로 세운 후 15도 각도로 눕힌 다음 캔버스 위 가장자리에서부터 먹물을 떨어뜨려 그 움직임을 통해 점, 선, 면을 구성하는 작품이다. 필요한 점도로 설계된 잉크는 표면에 천천히 내려와 고정된 각도로 캔버스의 정사각형 그리드를 절단하여 액체 물질의 움직임과 속도를 지시하는 중력을 가시화한 작품이다. 작가의 <Ether> 시리즈는 하늘에서 땅으로 떨어지는 액체방울을 시각화하여 3D 모델링으로 구현한 조형물이다. 작가는 떨어지는 액체를 관찰하며 중력이 아래로 진행되는 동시에 하늘로 밀려오는 반중력을 맞닥뜨리며 생기는 형태를 발견하였고, 이 형태를 3D로 회전, 수직으로 대칭하며 무작위 순서로 쌓았다. 무한주처럼 세워져 있는 이 조형물은 중력과 반중력 같은 반대의 힘의 영향으로 무중력 상태를 느끼게 한다.

   코헤이 나와는 페이스갤러리(서울, 한국, 2023), 아라리오갤러리(상하이, 중국, 2022, 2017, 2015), 페이스갤러리(뉴욕, 팔로알토, 미국, 2022), 루브르 박물관(파리, 프랑스, 2018), 기리시마 예술의 숲 미술관(가고시마, 일본, 2013), 도쿄현대미술관(일본, 2011), 베라 먼로(함부르크, 독일, 2009), 호안 미로 미술관(바르셀로나, 스페인, 2008)을 포함한 다수의 기관에서 개인전을 선보였다. 또한, 페이스갤러리(도쿄, 일본, 2024), 퀸즐랜드 현대미술관(호주, 2024), 도쿄현대미술관(일본, 2023, 2014), 워싱턴국립미술관(미국, 2019), 퐁피두센터-메츠(프랑스, 2017), 에프-아트하우스(오카야마, 일본, 2016), ZKM 미디어 아트 센터(카를스루에, 독일, 2016), 파리 일본문화회관(프랑스, 2015), 아트 사이언스 뮤지엄(싱가포르, 2015) 등의 단체전에 참여했다.

  이진주(LEE Jinju, b. 1980)는 일상에서 마주치는 낯설고 기묘한 장면, 대상, 풍경을 물을 매개로 하는 동양화의 채색 기법을 응용해 섬세하게 묘사한다. 부드러운 빛에 둘러싸인 인물들을 관찰하고 섬세하게 그려내는 방식은 기법 면에서 조선시대 초상화가 가깝다. 그러나 이진주는 전통 회화에서 깊이 있게 다루어지지 않았던 여성의 신체와 내면을 주체적으로 다루며 작품에서 인물은 눈이 가려진 채 등장하거나, 뒷모습을 보이고, 손의 동작으로써 드러난다. 작가의 화면 속 대상과 인물은 작가의 시선을 담아, 삶과 죽음, 지하와 지상, 낮과 밤을 넘나드는 경계의 진리가 깨어나는 중간 지대가 되며, 두터운 은유로 중첩된 겹겹의 이야기를 풀고, 격리되고 부서진 세계를 지탱해 나간다. 작가는 회화의 형식에 있어 ‘보는 방식’에 대한 차별화된 관점과 경험을 제안한다. 시간, 공간, 시점을 입체적 회화로 표현한 이진주의 ‘셰이프드 캔버스(shaped canvas)’는 큰 풍경 안에 많은 이야기가 담겨있는 디테일을 들여다보는 방식이라면, 온통 검정인 어둠 속에서 드러나는 손이나 얼굴을 표현한 ‘블랙 페인팅’은 좀 더 기이한 방식으로 파편화된 대상들을 보여준다. 이진주 작품에서 드러나는 디테일은 대상을 자세히 재현하는 것에 그치지 않고 작가가 대상을 바라보는 시선이고 오랜 시간을 갖고 들여다본 대상에 대한 태도를 극도의 세밀하고 예민한 표현으로 담아낸다.

  이진주는 아라리오뮤지엄 탑동시네마(제주, 한국, 2022-2024), 아라리오뮤지엄 인스페이스(서울, 한국, 2020), 트라이엄프갤러리(Triumph gallery, 모스크바, 러시아, 2019), 에드윈스 갤러리(Edwin's Gallery, 자카르타, 인도네시아, 2018), 아라리오갤러리(서울, 한국, 2017) 등에서 개인전을 개최하였다. 또한 에스더 쉬퍼(Esther Schipper, 베를린, 독일, 2024), 마레스 미술관(Marres House of Contemporary Culture, 마스트리히트, 네덜란드, 2022), 화이트큐브(서울, 한국, 2023), 송은(서울, 한국, 2023, 2022), 제주도립미술관(한국, 2023), 벨기에 한국문화원(브뤼셀, 벨기에, 2021), 국립현대미술관(서울, 한국, 2021), 전남국제수묵비엔날레(한국, 2021), 모스크바 뮤지엄(Museum of Moscow, 러시아, 2021), 아라리오갤러리(천안, 한국, 2021), 경남도립미술관(창원, 한국, 2021), 국립아시아문화전당(광주, 한국, 2019), 강원국제비엔날레(한국, 2018), 서울시립미술관(한국, 2015), 두산갤러리 뉴욕(뉴욕, 미국, 2013), OCI 미술관(서울, 한국, 2011), 일민미술관(서울, 한국, 2010) 등 다수의 단체전에 참여하였다. 이진주는 2009년 중앙미술대전에서 우수상을 수상하였고, 2014년 송은미술대상 우수상을 수상하였다. 이진주의 작품은 국립현대미술관, 서울시립미술관, 경남도립미술관, 아라리오뮤지엄, 송은문화재단, OCI미술관 등에 소장되어 있다. 이진주는 2025년 1월부터 2025년 3월까지 유즈 뮤지엄(Yuz Museum, 상해, 중국)에서 개인전을 열었다.  

  김병호(KIM Byoungho, b. 1974)는 주로 금속을 재료 삼아 조각 및 설치 작업을 선보이는 조각가다. 김병호는 철저히 설계된 구조 속에서 작품을 제작하며, 이를 사회적 규범 아래 생산되는 제품과 다름없는 과정으로 여긴다. 그의 작업은 현대 사회에서 개인의 정체성 갈등을 탐구하며, 기계적 정교함과 심미적 만족감 사이를 조율해 물신주의적 속성을 드러낸다. <수직정원> 조각 연작은 현대 도시의 수직성과 인공 자연인 정원의 개념을 결합하여 형상화한 결과물이다. 직선들의 끝자락에 맺힌 열매와 같은 형태들이 독특한 균형을 이루며 인간의 문명이 만들어낸 풍경 속에서 발견되는 특유의 미학을 역설한다.

  김병호는 2000년 홍익대학교 미술대학 졸업 후 2002년부터 예술공학을 연구했으며 2004년 중앙대학교 첨단영상대학원 영상공학과에서 석사 학위를 취득했다. 청남대 호수영미술관(청주, 2024), K11 미술관(선양, 중국, 2022; 우한, 중국, 2023), WWNN(서울, 2023), 아라리오갤러리(서울, 2024, 2011; 천안, 2013; 상하이, 2018), 소마미술관(서울, 2010), 프랑크푸르트 문화부 스튜디오(프랑크푸르

트, 독일, 2009) 등에서 개인전을 개최했다. 포항시립미술관, 이화여자대학교박물관, 캔파운데이션, 경주솔거미술관, 아모레퍼시픽미술관, 서울대학교미술관, 포스코미술관, 사치갤러리(런던, 영국) 등이 연 단체전에 참여했다. 국립현대미술관(한국), 아모레퍼시픽미술관(한국), 프랑크푸르트시 문화부(독일), 서울대학교미술관(한국), 아라리오뮤지엄(한국), 정부종합청사(한국), 상해 판롱천지(Panlong Tiandi, 중국), 뉴월드 개발 유한회사(New World Development, 홍콩), 현대자동차(한국) 등이 그의 작품을 소장하고 있다.

  유키 사에구사(Yuki SAEGUSA, b. 1987)는 유채와 템페라를 주 재료로 한 회화 연작을 중심으로 다양한 재료 및 매체를 실험하는 작가다. 화폭에 담은 장면들은 “누군가의 마음속에 존재하지만, 어디에도 없는 장소”에 관한 생각에서 비롯된다. 작가는 스스로의 일상적 경험과 기억, 상상에 기반하여, 사실처럼 정교하게 묘사한 가상 세계의 풍경을 화면 위에 펼쳐낸다. 이렇듯 <프네우마>는 작가가 고대 그리스 철학과 의학에서 ‘숨’, ‘바람’, ‘정신’, ‘영혼’ 등을 의미하는 프네우마 개념에서 영감을 받아, 말로 표현할 수 없는 세계의 흐름과 에너지를 형상화하며, 이를 시각적으로 탐구한 작품이다. 유키 사에구사는 일본 전통 산수화와 북유럽 플랑드르 회화를 작품세계의 참조점으로 삼는다. 동서양 화풍을 복합적으로 수용하고자 하는 시도의 일환이다. 자신의 고향인 아즈미노 시(安曇野市)의 경관에 바탕을 둔 풍경화는 여러 시점을 하나의 화면에 담아낸 동양 산수화의 구도를 연상시키는 동시에 플랑드르 회화의 세밀한 묘사 방식과 신비한 서사 구조를 떠올리도록 한다. 한편, 세필로 정밀하게 쌓아 올린 풍경의 곳곳에서 만화적 형태를 띤 작은 동물들이 목격된다. 다른 세계에서 온 듯한 이 존재들은 작가 및 관객의 투영체이다. 유키 사에구사가 유년기부터 가장 가까이 한 예술은 만화였다. 그렇기에 만화용 펜을 사용하거나, 만화적 도상들을 화면에 끌어들이는 등의 시도가 작업 과정 가운데 자연스럽게 녹아 들게 되었다.

  유키 사에구사는 1987년 일본 나가노현에서 태어나 2010년 나고야예술대학교 유화과 학부를 졸업한 후 현재 일본 아이치현 기타나고야에 거주하며 작품 활동을 하고 있다. 아라리오갤러리 서울(서울, 한국, 2024), 갤러리 A(시즈오카, 일본, 2022), 에비수 아트랩(아이치현, 일본, 2022; 2017; 2013; 2012) 등에서 개인전을 개최했다. 아라리오갤러리 서울(서울, 한국, 2024), 분카무라 갤러리(도쿄, 일본, 2023), 아라리오갤러리 상하이(상하이, 중국, 2022), 긴자 츠타야 서점(도쿄, 일본, 2021), 나고야 전기문화회관(아이치현, 일본, 2017) 등이 개최한 단체전에 참여했다. 나고야예술대학(일본), 아라리오뮤지엄(한국) 등의 기관이 그의 작품을 소장하고 있다.

  박서보(PARK Seo-Bo, 1931-2023)는 한국 현대미술의 1세대로서 모더니즘 형식주의 및 추상미술의 태동을 이끌어낸 작가다. 1954년 홍익대학교 회화과를 졸업했고, 1956년 대한민국 미술전람회의 무개성적인 경향을 거부하며 ‘반(反) 국전’을 선언했다. 1958년 ‘현대미술가협회’, 1962년 ‘악뛰엘(Actuel)’ 결성에 참여하면서 한국 앵포르멜 미술 운동에 주력하였다. 1963년 제3회 파리 비엔날레, 1965년 제5회 상파울루 비엔날레에 참여하면서 동시대 세계미술과 교류했으며, 1960년대 말 이우환과 교류하며 단색조 회화의 발판을 마련했다. 아울러 그는 1970-80년 한국미술협회 부이사장 및 이사장을 맡으면서 단색화 운동을 주도했으며, 1979년 대한민국 문화예술상, 1987년 예총 예술문화 대상, 1995년 서울특별시 문화상, 2011년 은관문화훈장, 2014년 이동훈 미술상 등을 수상했다. 1962-97년 홍익대학교 회화과 교수를 역임했고, 1994년 서보 미술문화재단을 설립했다.

  6.25 전쟁 직후인 1957년에서 1960년대 중반까지, 그의 〈원형질〉 연작에는 전후 한국의 정서를 담은 앵포르멜 계열의 표현 추상회화가 주를 이루었다. 1960년대 중반에서 1970년대까지의 〈유전질 혹은 허상〉 시리즈에는 옵아트와 팝아트 계열의 색채 추상 실험이 나타났다. 이후 1970년대 초부터 현재까지 이어지고 있는 〈묘법〉은 동양 사상을 기반으로 하는 박서보의 대표적인 추상 시리즈로 여겨지며, 반복적인 그리기 행위를 통해 추상회화를 정신적 영역으로 승화시켰다는 평가를 받는다. 1980년대 후반을 기점으로 ‘묘법’ 시리즈를 전기와 후기로 구분하고 있는 평론가 김복영은, 전기에는 손의 작동에 자신을 내맡기는 자동기술에 크게 의존하는 반면 후기에는 자동성을 지니면서도 엄격한 분석과 치밀한 통제에 의해 작업이 진행된다고 언급하였다.

  2019년 국립현대미술관에서 열린 대형 회고전을 비롯하여 독일 랑엔 재단(Langen Foundation), 2006년 프랑스 생떼띠엔느 근대미술관(Musée d’art moderne et contemporain de Saint-Étienne) 등 국내외 유수 기관에서 개인전을 가졌다. 이 외에도 1975년에 열렸던 동경화랑의 전시가 2018년, 43년만에 다시 전시되었으며, 중국 상하이 파워롱미술관(Powerlong Art Museum), 2016년 벨기에 보고시안 재단(Boghossion Foundation), 2015년 베니스 비엔날레 공식 병행전시, 2012년 국립현대미술관, 1992년 영국 테이트 리버풀(Tate Liverpool) 등의 단체전에서 작품이 소개되었다. 작품의 주요 소장처는 국립현대미술관, 도쿄도 현대미술(Museum of Contemporary Art Tokyo), 파리 퐁피두센터(The Centre Pompidou), 구겐하임 아부다비(The Guggenheim Abu Dhabi), 그리고 홍콩 M+미술관 등이 있다.

  권오상(GWON Osang, b. 1974)은 조각의 정체성에 대해 끊임없이 질문하며 새로운 조형 구조에 탐닉하고 실험적인 매체 융합을 시도해온 조각가다. 그의 작품세계는 ‘데오도란트 타입’, ‘더 스컬프처’, ‘더 플랫’, ‘뉴 스트럭처’, ‘릴리프’ 등 다섯 갈래의 연작으로 변주되어 왔다. 그중 ‘데오도란트 타입’ 시리즈는 조각은 무거워야 한다는 통념을 깨고자 강화 스티로폼인 아이소핑크로 형체를 만들고, 그 외연은 대상을 직접 찍거나 수집한 수백 개의 사진들로 뒤덮어 가벼운 조각을 표방함과 동시에 새로운 재료를 제시하며 조각의 확장을 논했다. <Composition>은 헨리 무어의 조각을 오마주한 작품으로, 작가 특유의 이미지 채집과 유희적 콜라주가 더해져 독특한 조형 미학을 선보인다. 또한 권오상의 대표적 사진 조각 두상 작품 중 <Helmet Head>연작은 사물의 내, 외부에 관심을 가진 헨리 무어의 투구 작품에서 영감받았고, 현대 추상 조각에서 ‘구멍＇의 역할에 대한 작가의 해석이 담겨 있다.

  권오상은 1974년 서울에서 태어났다. 2000년 홍익대학교 미술대학 조소과 학부 졸업 후 2004년 홍익대학교 일반대학원 조소과에서 석사를 취득했다. 롯데 에비뉴엘 아트홀(서울, 한국, 2023), 일민미술관(서울, 한국, 2022), 수원시립미술관(수원, 한국, 2022), 아라리오갤러리(서울, 한국; 상하이, 중국, 2016) 등에서 개인전 및 협업전을 개최하였으며 에르메스(시드니, 호주, 2016), 워터풀갤러리(뉴욕, 미국, 2016), 오키나와 현대미술센터(오키나와, 일본, 2015), 조이스파리(파리, 프랑스, 2014), 하다컨템포러리(런던, 영국, 2013), 맨체스터 아트갤러리(맨체스터, 영국, 2008) 등 세계 등지에서 개인전을 선보였다. 아라리오갤러리 서울(서울, 한국, 2024; 2023; 2018; 2014; 2011; 2010), 경남도립미술관(창원, 한국, 2023), V&A 미술관(런던, 영국, 2023), 더샵하우스(홍콩, 중국, 2022), 서울대학교미술관(서울, 한국, 2021), 대림미술관(서울, 한국, 2020), 포항시립미술관(포항, 한국, 2020), 국립현대미술관(서울, 한국, 2015), 싱가포르 현대미술관(싱가포르, 2014), 사치갤러리(런던, 영국, 2010), 부르거 콜렉션(베를린, 독일, 2009), 볼로냐 현대미술관(볼로냐, 이탈리아, 2004), FOAM (암스테르담, 네덜란드, 2003) 등의 기관이 연 단체전에서 작품을 선보였다. 권오상은 이 외에도 더욱 대중 가까이에서 현대미술을 선보이고자 라이엇 게임즈, 재규어, BMW, 우영미, 에르메스 등 다양한 브랜드와 협업 작업을 진행하였다. 국립현대미술관(한국), 서울시립미술관(한국), 부산시립미술관(한국), 리움미술관(한국) 등의 기관이 그의 작품을 소장하고 있다.

  안경수(AN Gyungsu, b. 1975)는 지난 10여 년간 교외의 여러 지역을 오가며 도시와 도시 사이 변두리의 풍경에 주목해왔다. 풍경이 되지 못한, 또는 풍경이기를 지향하는 욕망에서 비롯된 장면들을 보고 경험하는 일이다. 그러한 풍경은 한시적이며 가변적인 ‘부유하는 풍경’으로서 해석된다. 그는 주변부로 밀려난 더미들과 사물들을 사생하고, 그 결과물로서의 회화를 실제 풍경 위에 중첩하여 사진 기록을 남기기도 한다. 다양한 장소에 거주하며 장소 특정적 풍경 및 현상에 주목하고, 그것을 그린 그림 자체를 하나의 새로운 층위로 규정함으로써 풍경과 맞닿기를 시도하는 것이다. 작가는 풍경의 부산물을 좇으며 체화한 감각을 회화의 언어로 변환한다. “쓸어 담기엔 너무나 미약한 먼지 같으면서도 방치하기에는 걸리적거리는” 특유의 장면들은 부유하듯 움직이고 사라졌다가 드러나기를 반복한다. 안경수는 이들을 유심히 바라보며 각각의 사물 및 장면 너머의 감각을 회화의 방식으로 천천히 재현한다. 그의 말에 따르면 “우리 주변의 모든 풍경은 그러한 부산물이 천천히 쌓여가는 풍경들”이다.

  안경수는 1975년 부산에서 태어났다. 모스크바 뮤지엄(모스크바, 러시아, 2022), 피비갤러리(서울, 한국, 2021; 2019), 상업화랑(서울, 한국, 2018), 갤러리조선(서울, 한국, 2016), 갤러리현대 윈도우갤러리(서울, 한국, 2014) 등에서 개인전을 개최했다. 아라리오갤러리 서울(서울, 한국, 2024), 인천아트플랫폼(인천, 한국, 2023; 2017; 2012; 2011), 아르코미술관(서울, 한국, 2023), 토탈미술관(서울, 한국, 2020; 2012), 서울시립미술관 난지미술창작스튜디오(서울, 한국, 2019), 서울시립미술관 북서울(서울, 한국, 2017), 경남도립미술관(창원, 한국, 2017), 성곡미술관(서울, 한국, 2015), 국립현대미술관 고양레지던시(고양, 한국, 2010) 등의 기관이 연 단체전에 참여했다. 2009년 국립현대미술관 고양레지던시에 입주해 작업했고 2016년에는 경기도미술관 경기창작센터, 2019년에는 서울시립미술관 난지미술창작스튜디오에 입주하여 작업하였다. 국립현대미술관(한국), 서울시립미술관(한국), 부산시립미술관(한국) 외 다수의 기관이 그의 작품을 소장하고 있다.